Cómo las redes sociales distorsionan tu identidad artística
Cuando publicas tu trabajo en redes sociales, llega un punto en el que dejas de preguntarte qué quieres dibujar y empiezas a pensar en qué funciona. Qué atrae audiencia. Qué retiene. Cómo complacer al algoritmo.
Ese cambio puede ser consciente, como una decisión deliberada de adaptar tu contenido a cada plataforma. Pero también puede suceder sin que te des cuenta, de forma gradual, guiado por la preocupación constante por las métricas de tus perfiles.
En el segundo episodio del podcast Secta de Dibujo, Miguel Devia y Helen Highton hablan sobre este fenómeno: cómo las redes sociales pueden modificar, distorsionar e incluso destruir tu identidad artística. Y qué hacer cuando te das cuenta de que llevas meses dibujando para el algoritmo, y no para ti.
Todos lo hemos hecho. Yo lo he hecho muchísimo. Y me siento mal porque el objetivo era conseguir más números, pero cuando eres más honesto es cuando más números consigues.
El problema que no existía antes de internet
Durante siglos, te comparabas con tu entorno cercano: tus profesores de arte, los artistas de tu ciudad, los cuadros en museos locales, iglesias o talleres. Tus referencias eran limitadas y, aunque eso podía ser frustrante, también te protegía de alguna manera.
Internet cambió por completo ese contexto. Ahora puedes ver el trabajo de los mejores ilustradores del mundo, gratis, desde tu casa. Eso puede ser liberador, y en muchos casos lo es. Pero también tiene un efecto menos evidente: ya no te comparas con alguien cercano, sino con el 1% más talentoso, más visible y más afortunado del planeta.
Además, el algoritmo se encarga de que esa comparación sea constante. No te muestra lo promedio; te muestra lo que funciona, lo que se vuelve viral, lo que provoca emoción. Lo que amas, lo que envidias, incluso lo que te incomoda. Y poco a poco, eso termina distorsionando tu percepción de lo que realmente es el estándar.
Una reflexión del podcast
El feed de cualquier red social es una selección artificial, optimizada para mostrar lo mejor o, al menos, lo más llamativo. Pensar que eso representa el promedio del trabajo artístico en internet es como creer que todos los restaurantes del mundo tienen estrellas Michelin solo porque son los que aparecen en las revistas.
Cómo ocurre la traición silenciosa de tu estilo artístico
Rara vez decides dejar de hacer lo que disfrutas para conseguir likes. Sucede de forma gradual, casi imperceptible, a través de pequeñas decisiones que, por separado, parecen razonables. Ajustas un color porque sabes que funciona mejor. Repites un formato porque tuvo buen rendimiento. Evitas ciertos temas porque no conectan tanto.
Pero cuando todas esas decisiones se acumulan, el resultado empieza a alejarse de ti. Y sin darte cuenta, ya no estás dibujando lo que quieres, sino lo que sabes que funciona.
1. La observación
Publicas tu trabajo y empiezas a notar que cierto tipo de ilustración funciona mejor que otro. Una paleta de colores específica, cierta composición, un tipo de anatomía o acabado. Sin darte cuenta, comienzas a identificar e interiorizar los patrones que reciben más atención.
2. La incorporación
Empiezas a incorporar esos elementos en tu trabajo. No siempre es una decisión consciente; tu cerebro los reconoce como señales de éxito y los repite. Es un proceso bastante natural. De hecho, por eso muchos artistas, sobre todo al inicio, se parecen a quienes más admiran sin proponérselo.
3. El Cambio de objetivo
Aquí es donde el efecto se vuelve más profundo. Ya no solo piensas en el resultado, sino que tu proceso empieza a cambiar. Mientras dibujas, evalúas cada decisión con preguntas como: ¿esto funcionará en redes? ¿esta ilustración tendrá suficientes likes?
Dejas de trabajar con la libertad que tenías al principio. Empiezas a autocensurarte según lo que crees que tendrá éxito. Y en ese proceso pierdes algo clave: la capacidad de sorprenderte con tu propio trabajo.
4. La trampa del éxito
Si llegas a conseguir buenos resultados con un estilo específico, la trampa se cierra. Construyes una audiencia que espera exactamente eso de ti. Cambiar implica el riesgo de perderla.
Y así, muchos artistas se quedan estancados durante años en algo que ya no les interesa tanto. No porque quieran, sino porque el miedo a perder la validación pesa más que el deseo de crecer.
Un pensamiento sobre la originalidad
En el episodio hablamos de una idea que, aunque parece contraintuitiva, resulta bastante convincente: la mejor forma de ser original es no intentar serlo.
Tú ya eres original por definición. Tienes un ADN único, experiencias propias y una forma de interpretar el mundo que no comparte nadie más. Incluso si varias personas vivieran exactamente las mismas situaciones, cada una las entendería de manera distinta.
El problema aparece cuando intentas ser original de forma consciente. En ese momento miras hacia fuera para descubrir qué considera el mundo como “original” y terminas imitándolo. Copias lo que parece novedoso, lo que rompe, lo que está en tendencia. Y así, en lugar de acercarte a tu voz, te conviertes en una versión más de algo que ya existe.
La originalidad genuina no nace del esfuerzo por alcanzarla, sino de trabajar con honestidad desde lo que eres. Aparece cuando creas sin forzar el proceso, sin sobrepensarlo, dejando que tu forma de ver el mundo se filtre de manera natural en lo que haces.
Cuanto más intentas ser diferente mirando hacia afuera, más te pareces a otros. Cuanto más trabajas mirando hacia adentro, más único resultas el trabajo, aunque no fuese el objetivo.
Copiar no es siempre problemático, la distinción es clave
En el episodio dejamos algo muy claro: no es lo mismo copiar como parte del aprendizaje que copiar como estrategia para crecer en redes sociales.
Gran parte de la historia del arte se ha construido sobre la copia como método de estudio. Los maestros del Renacimiento retomaban ideas de la cultura griega. Los impresionistas se nutrían de referentes holandeses y japoneses. Copiar, cuando lo haces para comprender un estilo, una técnica o una forma de ver el mundo, es una de las herramientas más efectivas que existen.
El problema aparece cuando copias con otro objetivo: encajar, gustar, crecer en métricas. Ahí ya no estás estudiando, estás adaptándote. Y esa diferencia, aunque sutil, cambia por completo el rumbo de tu trabajo.
Siempre se dice que copiar a grandes maestros siempre se dice que es un gran ejercicio, pero falta explicar hasta qué punto.
La metáfora del turista: ver lo que está escondido
Una de las ideas más interesantes que surgió en el episodio fue la metáfora del turista. Cuando visitas un lugar por primera vez, tiendes a fotografiar cosas que alguien que lleva años viviendo ahí ya no percibe. El turista mira con ojos nuevos; se fija en detalles que, para el residente, se han vuelto invisibles con el tiempo.
En el arte ocurre algo similar cuando exploras una cultura distinta a la tuya. Un artista asiático que pinta ciudades latinoamericanas puede quedarse fascinado por la intensidad de la luz, los colores, las texturas o el aparente caos de la calle. Ve valor donde otros ya dejaron de mirar.
Las redes sociales hacen, en muchos sentidos, lo contrario. Tienden a premiar lo reconocible, lo que ya ha funcionado antes, y a dejar en segundo plano lo nuevo. El algoritmo no está diseñado para descubrir, sino para retener. Y retiene mejor cuando se apoya en lo que ya está comprobado.
Por eso, es importante no perder esa mirada de turista. Esa capacidad de observar sin costumbre, de encontrar interés en lo que parece cotidiano, y de acercarte a tu propio trabajo como si lo vieras por primera vez.
No todos los likes significan lo mismo
Hay una idea del episodio que vale la pena desarrollar, porque resume muy bien por qué los likes pueden ser una métrica engañosa cuando intentas medir el valor artístico.
Un like es la forma más rápida y superficial de interacción. No exige atención sostenida, ni criterio, ni una emoción profunda. Puedes darlo en una fracción de segundo, incluso sin haber observado realmente la imagen. Una publicación con decenas de miles de likes puede ser algo que consumiste en segundos y olvidaste inmediatamente al seguir deslizando.
En cambio, hay imágenes con pocos likes en las que alguien se detuvo varios minutos, sintió algo y dejó un comentario significativo. Y ese tipo de reacción, aunque menos visible, puede tener mucho más peso que miles de interacciones superficiales.
Por eso no siempre es buena idea usar los likes como única referencia de crecimiento. La conexión real que puede generar tu trabajo es algo que las redes sociales apenas logran medir.
No todas las interacciones valen lo mismo, porque somos seres humanos. Tal vez un like sea solo un like, pero también la persona pudo haber visto tu obra y haber reflexionado profundamente.
Pintar por placer personal no es una concesión, es una posición
Uno de los momentos más honestos del episodio fue cuando Helen habló de su relación con su trabajo. Pinta accesorios, colores brillantes y personajes kawaii. No hace arte político ni reflexivo sobre el estado del mundo, como muchas veces se espera desde ciertos espacios académicos.
Y lo hace por una razón simple: es honesta con lo que quiere. Quiere sumergirse en el placer de pintar, en ese estado donde, por un momento, los problemas se apagan y la vida se siente más ligera.
Eso no es una concesión. Es una posición. Es una forma clara de responder para qué le sirve su arte.
Esa honestidad es precisamente lo que hace que su trabajo sea reconocible, propio, y no una imitación. Porque la autenticidad no depende del peso político o filosófico del contenido, sino de qué tan fiel eres a lo que realmente quieres expresar.
La vida ya es lo suficientemente difícil. Yo quiero ser feliz pintando mi mundo rosado. Cuando estoy haciendo cosas hermosas, pienso que la vida es hermosa.
Cómo recuperar tu identidad y honestidad artística
Si te reconoces en alguna de las fases anteriores, si sientes que llevas tiempo tomando decisiones en función de lo que mejora tus números en redes sociales, hay formas de volver a centrarte. Aquí tienes algunas ideas concretas.
Dibuja sin publicar en internet
Reserva momentos de tu tiempo creativo para hacer trabajos que no vas a compartir. Llena cuadernos privados, haz ejercicios sin destino, experimenta sin audiencia. Cuando eliminas la presión de publicar, tus decisiones cambian por completo. Ese es el espacio de libertad donde tu voz puede desarrollarse sin interferencias.
Separa el trabajo creativo del trabajo de contenido
No se trata de rechazar las redes sociales. Pueden ayudarte a consolidarte como artista. Pero puedes evitar que definan tu identidad. Aprende a hacer contenido, estudia tendencias, entiende cómo funciona el algoritmo, pero trátalo como una habilidad aparte. No dejes que se convierta en el criterio que guía todo lo que haces.
Pregúntate por qué dibujas tus obras
Antes de empezar una pieza, pregúntate por qué quieres hacerla. Si la respuesta honesta es que crees que funcionará en redes, reconocerlo ya es un paso importante. Pero si hay algo que realmente quieres expresar, aférrate a eso durante el proceso. No dejes que la lógica del algoritmo desplace lo que sientes.
Recuerda que el tiempo es parte del proceso
Lo más valioso rara vez funciona de inmediato. El trabajo más personal necesita tiempo para encontrar su lugar y su audiencia. Construir una voz propia es un proceso lento, a veces incierto, pero necesario. Confía en ese recorrido y permite que tu trabajo crezca contigo.
La conclusión del episodio
Las redes sociales son una herramienta. Como cualquier herramienta, su efecto depende de cómo las uses. Pueden ayudarte a amplificar lo que ya eres, o pueden terminar reemplazándolo.
La presión de la validación online es real. No tiene sentido ignorarla. Importa en la medida en que decides darle espacio. Hay una diferencia clara entre usar las redes para llevar tu trabajo a más personas y dejar que las redes definan qué tipo de trabajo haces.
Tu identidad artística no es algo fijo. No aparece de una vez y se queda intacta. Se construye, se transforma, a veces se diluye y luego se vuelve a encontrar. Forma parte del proceso.
Lo importante es que puedas reconocer cuándo estás creando desde un lugar propio y cuándo estás respondiendo a lo que ves afuera. Esa diferencia, aunque sutil, cambia por completo el rumbo de tu trabajo.
Cuando soy más honesto es cuando más números consigo. La mejor forma de ser original, es no intentar serlo.
Escucha el episodio completo
Todo lo que leíste aquí son solo fragmentos de la conversación entre Miguel Devia y Helen Highton. En el episodio también hablamos de la historia del arte digital, de los pintores renacentistas y el uso del color en los óleos, de galerías que se parecen más a McDonald’s de lo que nos gustaría, y hasta de un pintor que, supuestamente, tiene una secta real.
